Аркадий Алексеевич Кузьмин подарил Ржеву четырехтомник «Свет мой»

Ветеран Великой Отечественной войны, известный художник-график, журналист и писатель Аркадий Алексеевич Кузьмин подарил Ржеву четырехтомник «Свет мой», который создавался много лет.  Это разговор-размышление очевидца о событиях XX века в России, о судьбах ее граждан. Аркадий Алексеевич издал роман на свои собственные средства, его тираж составил 40 экземпляров. Четырехтомник «Свет мой» находится в центральной библиотеке им. А.Н.Островского.

Аннотация

Роман «Свет мой» - художественные воспоминания-размышления о реальных событиях XX века в России, в судьбах рядовых героев. Тот век велик на поступки соотечественников. Они узнали НЭП, коллективизацию, жили в военные 1941-1945 годы, во время перестройки и разрушения самого государства - глубокие вязкие колеи и шрамы... Но герои жили, любя, и в блокадном Ленинграде, бились с врагом, и в Сталинграде. И в оккупированном гитлеровцами Ржеве... Именно ржевский мальчик прочтет немецкому офицеру ноябрьскую речь Сталина, напечатанную в газете «Правда» и сброшенную нашим самолетом 8 ноября 1941 г. как листовку... А по освобождению он попадет в военную часть и вместе с нею проделает путь через всю Польшу до Берлина, где он сделает два рисунка. А другой герой, разведчик Дунайской флотилии, высаживался с десантами под Керчью, под Одессой; он был ранен власовцем в Будапеште, затем попал в госпиталь в Белград. Ему ошибочно - как погибшему - было поставлено у Дуная надгробие. Третий молодец потерял руку под Нарвой. Четвертый - радист... Но, конечно же, на первое место ставлю в книге подвиг героинь - наших матерей, сестер. В послевоенное время мои герои, в которых - ни в одном - нет никакого вымысла и ложного пафоса, учились и работали, любили и сдружались. Кто-то стал художником. Да, впрочем, не столько военная тема в этом романе заботит автора. Одни события мимолетны, а другие - неясно, когда они начались и когда же закончатся; их не отринешь вдруг, они все еще идут и сейчас. (Источник)

Елена Сооляттэ «На родной земле» // Ржевские новости. – 2018. – 14-20 ноября. – С. 15.

Иван Константинович Айвазовский: картины, о которых вы не знали

С детства мы знаем этого мастера, как живописца моря, художника морских закатов, штиля, лёгкого морского бриза и пенящегося прибоя, шторма и ураганного ветра. Можем часами стоять в зале Эрмитажа, посвященного шедеврам этого непревзойденного «Певца моря».

Недаром молодого художника назначили «первым живописцем Главного российского Морского штаба». За заслуги перед Отечеством наградили орденом Святой Анны и званием академика. Но есть другой Айвазовский: малоизвестный, редкий, «не морской».

Иван Константинович был хорошим портретистом. «Дело его рук» великолепные портреты турецкого султана Абдул-Меджид I, российского сенатора Александра Казначеева, Айвазяна Габриеля – сводного брата художника.

"Анна БурназяСаркизова"

Он написал портреты своей первой жены Юлии Гревс, второй жены Анны Бурназян-Саркизовой, армянского католикоса апостольской церкви Айрика Хримяна, композитора Михаила Глинки, коллекционера и мецената Алексея Томилова, Великого князя Константина. Художник создал много графических и живописных автопортретов.

"Портрет сенатора А.И. Казначеева"

Писал Айвазовский зимний лес (лесные пейзажи русского севера), зимний лёд петербургской реки (переправа через Неву), полотна на библейские темы (о предательстве Иуды, восточная сцены Малой Азии, крещение армян просветителем Григорием в IV столетии).

"Католикос Хримян Айрик в окрестностях Эчмиадзина"

"Восточная сцена. Кофейня у мечети Ортакей в Константинополе"

Из-под кисти мастера появляются храмы турецкого Стамбула (картины мечетей Константинополя), мельницы «Дон-Кихота» (ветряные мельницы украинских степей на закате солнца), египетские верблюжьи караваны (оазисы горячей Сахары). 

"Ветряные мельницы в украинской степи при закате солнца"

"Караван в оазисе. Египет"

"Вид Каира"

Прекрасны этнографические жанровые сцены южной Украины (свадебные миниатюры, изображения крестьян в работе и на отдыхе), северо-крымские степные просторы (зимние сцены в Малороссии).  

"Возвращение со свадьбы"

"Зимняя сцена в Малороссии"

За многие годы своей творческой жизни мастер исколесил полмира. За семь лет до кончины побывал даже в Америке. И повсюду, где ступала его нога, создавал свои бессмертные полотна.

Айвазовский, обладая чудесным музыкальным слухом, играл великолепно на скрипке, развлекая матросов Балтийского флота. А потом, будучи в гостях на военном корабле, брал в руки кисти, палитру, холст и, напевно затянув итальянскую серенаду либо татарскую мелодию, писал суровые морские пейзажи.

В ноябре 1869 года Ивана Константиновича Айвазовского включили в состав российской почетной делегации по открытию Суэцкого канала. Прибыв на египетскую землю, художник стал первым маринистом в мире, написавший «вживую» маслом картину этого грандиозного строительного сооружения мирового масштаба.

Источник

Личность в квадрате

Автопортрет

Казимир Малевич вошел в историю прежде всего, как автор «Черного квадрата» — картины-манифеста, пощечины общественному вкусу, декларации заката традиционного искусства. Немногим известно, что подобные эксперименты были лишь одним из этапов творчества художника. Умелый мистификатор лепил собственный образ: менял даты произведений, выдумывал небылицы, предъявляя миру новатора-супрематиста. В тени оставались другие ипостаси — Малевич-реалист и Малевич-импрессионист.

Традиционно считается, что Малевич появился на свет 23 (11 — ст. ст.) февраля 1878-го. Однако в некоторых источниках значится 1879 год. И все же большинство исследователей отдают предпочтение первому варианту. В биографии художника немало белых пятен. Прекрасный организатор, легко сходившийся с другими людьми, он был достаточно скрытен. Автобиографические записи еще больше запутывают читателей. В текстах обнаруживается стремление подогнать собственную жизнь под четкую схему, показать, что пройден прямой и логичный путь — от импрессиониста до супрематиста и что именно французские мастера натолкнули на мысль отказаться от предметности, реалистичности. Этой теории, однако, противоречат отдельные факты, реконструированные учеными.

Его встреча с искусством состоялась довольно поздно. В семье не было ни одного художника. Старший в многодетной семье Казик не знал, что значит рисовать. Позже он вспоминал об одном из первых столкновений с «настоящей» картиной: однажды разглядывал витрины и «в окнах увидел холст, на котором было очень вкусно намазано изображение девушки, сидящей на лавке за чисткой картошки». Безымянная работа оставила неизгладимое впечатление: «Через некоторое время я начал чернилами красить гору на бумаге, но все формы сливались, и получалось пятно, ничего не изображающее».

"Цветочница"

Казимир сам делал краски — из глины и разных порошков, копировал картинки из журнала «Нива». Пытался достичь похожести, реалистичности.

Постепенно окрепло желание заниматься живописью. А вот еще одно из детских воспоминаний: в Белополье, где жила семья Малевичей, приехали иконописцы из Петербурга. Казика и его деревенского приятеля это «сильно взволновало, ибо... еще никогда не видали живых художников». Мальчишки выслеживали гостей, старались подсмотреть, как те работают.

Глава семейства, по профессии — сахаровар, желал, чтобы отпрыск пошел по его стопам: «Отец говорил... что жизнь художников плоха, и большая часть их сидит в тюрьмах, чего он и не хотел для своего сына». Под давлением родителя Казимир выбрал учебу на агронома. А когда решил заочно поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), Малевич-старший просто-напросто не отправил туда документы, объяснив юноше: мол, нет мест.

Иначе относилась к искусству мать. Именно она подарила ему настоящие краски — 54 цвета. Имевшая художественные задатки Людвига Малевич оказалась ангелом-хранителем не только для собственного ребенка, но и для соседского мальчика Коли, которому купила скрипку. Тот, любивший музыку, рос в очень бедной семье и сам не смог бы приобрести инструмент. Впоследствии Николай Рославец стал известным дирижером и композитором.

"Сестры"

В 1896 году семья Малевичей перебралась в Курск. Молодой Казимир вел скучную жизнь чертежника Управления железной дороги. Параллельно продолжал заниматься живописью. Сложился небольшой круг единомышленников. Выписали гипсовые головы из Московского художественного училища, нашли пособия. По выходным спешили на пленэр. В тот период Казимир был страстным поклонником передвижников, обожал творчество Ильи Репина, Ивана Шишкина, писал в реалистической манере. Впрочем, среди ранних работ обнаруживаются этюды, выполненные в духе импрессионизма: к курским произведениям относят обычно те, что были приобретены коллекционером Георгием Костаки у родного брата живописца — Мечислава; это небольшие натурные вещи, часто совсем ученические.

Малевич мечтал перебраться в Москву, где кипела культурная жизнь. После смерти отца он почувствовал себя свободным. И хотя к тому времени у него самого были жена и ребенок, Казимир внезапно оставил родных и уехал в Белокаменную поступать в МУЖВЗ. Об этом впоследствии иронично писал: «Друзья были встревожены моим смелым шагом, но зато их жены были чрезвычайно довольны».

Неприступные бастионы училища штурмовал четыре года подряд, c 1904-го по 1907-й, но так и не смог добиться цели. Вел нищую жизнь в Москве, жил в художественной коммуне (аналоге французского «Улья»), посещал школу-студию Федора Рерберга. Собственные мытарства описывал так: «Вся моя база через два-три месяца треснула, и я попал как кур во щи, совершенно неприспособленный к жизни большого города. Но я не унывал и работал, изучал искусство, ходил в студию».

"Отдых. Общество в цилиндрах"

Рерберг являлся учредителем Московского товарищества художников. В выставках содружества помимо прочих участвовали Михаил Врубель и Виктор Борисов-Мусатов. В ту пору Малевич увлекся символизмом, хотя в дальнейшем этот факт тщательно скрывал. Каким-то чудом он, молодой и безвестный, получил заказ на серию литографий к скандальному спектаклю «Анатэма» по пьесе Леонида Андреева. Возможно, столь интересное предложение поступило при содействии преподавателя студии Сергея Голоушева. Символические мотивы обнаруживаются во многих произведениях, созданных Казимиром Севериновичем в те годы, например, в цикле «Эскиз фресковой живописи» (1907). В подобном ключе написаны «Отдых. Общество в цилиндрах» (1908), «Городок» (1910). Им свойственны орнаментальность, характерная для модерна, декоративность и плоскостность. На Московский салон 1911 года Малевич представил три серии, которые затем не показывал, словно желая забыть о «позорном» символистском увлечении.

Последующие два десятилетия его жизни хорошо известны: разрыв с фигуративом и утверждение супрематизма. Сам он излагал свою позицию следующим образом: «Когда исчезнет привычка сознания видеть в картинах изображение уголков природы, мадонн и бесстыдных венер, тогда только увидим чисто живописное произведение... Я преобразился в нуле форм и выловил себя из омута дряни Академического искусства».

И еще: «Я уничтожил кольцо — горизонта, и вышел из круга вещей, с кольца горизонта, в котором заключены художник и формы натуры. Это проклятое кольцо, открывая все новое и новое, уводит художника от цели к гибели. И только трусливое сознание и скудность творческих сил в художнике поддаются обману и устанавливают свое искусство на формах натуры, боясь лишиться фундамента, на котором основал свое искусство дикарь и академия».

Уход в супрематизм дался непросто: «Жутко... было расстаться с миром образным... в котором жил и который воспроизводил и принимал за действительность бытия. Но чувство легкости тянуло... и довело до полной пустыни».

"Цветущие яблони"

На рубеже 1920–1930-х он вновь вернулся к фигуративному искусству. Этот резкий перелом до сих пор является одной из главных загадок его творчества. В 1929 году Третьяковская галерея подготовила большую персональную выставку Малевича. На ней были представлены импрессионистские вещи — не только этюды, но и картины со сложной композицией. Они датировались серединой 1900-х, 1903-м или 1904-м, то есть годами, предшествовавшими его появлению в Москве. Вплоть до конца XX столетия время создания не ставилось под сомнение. Первые серьезные возражения прозвучали из уст американской исследовательницы Шарлотты Дуглас. Ее поддержали и русские коллеги. В раннем творчестве Казимир демонстрировал незрелость, в том числе в плане техники. Хорошие и продуманные вещи вряд ли могли быть написаны начинающим художником. К тому же автор с подобным уровнем профессионализма легко бы поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. А если учесть, что на экспозиции в Берлине, организованной в 1927-м, он показал крайне мало импрессионистских работ, получается, что по какой-то причине прибегнул к мистификации: поставил на новых картинах более раннюю дату.

Зачем это было нужно? На сей счет существуют различные гипотезы. Согласно одной из них, Малевич оценивал выставку в Третьяковке как своеобразный отчет за 30 лет, хотел продемонстрировать, что начинал именно с импрессионизма, и увлечение живописными эффектами освободило его от власти предмета, привело в нефигуративное искусство. А также стремился доказать: в Москву прибыл уже сложившийся мастер, а разрозненные ранние этюды для этого решительно не годились.

"Бульвар"

Другая точка зрения — «прагматическая»: Малевичу надо было кормить семью, продавать картины музеям; близкие по времени написания вещи в тот момент никого не интересовали, а вот работы начала века приобретались охотно. Как бы то ни было, импрессионизм он искренне любил и в своих воспоминаниях это отметил: «Я наткнулся на этюдах на вон из ряду выходящее явление в моем живописном восприятии природы. Передо мною среди деревьев стоял заново беленный мелом дом, был солнечный день, небо кобальтовое, с одной стороны дома была тень, с другой — солнце. Я впервые увидел светлые рефлексы голубого неба, чистые прозрачные тона. С тех пор я начал работать светлую живопись, радостную, солнечную».

В 1930-е Малевич вернулся к реализму. Этот шаг многие не поняли и не приняли. Мастера обвинили в капитуляции, конформизме. Что же двигало им на самом деле? Похоже, его интерес к реалистическому искусству был вполне естественным: когда-то любовался в музеях на произведения Шишкина и Репина, в советский период приятельствовал с соцреалистом Исааком Бродским, написал знаменитые портреты-стилизации, изобразив себя и жену в духе итальянского Возрождения. Казимир Северинович желал показать, что он много шире установленных, в том числе им самим, рамок. Возможно, в обращении к фигуративу присутствовал и ностальгический мотив. Живописец, несмотря на общительность и обаяние, похоже, крайне нуждался в диалоге с молодыми авторами и, как отмечает писательница Ксения Букша, с молодым собой. Поэтому не исключено, что прав оказался художник Николай Тырса, посетивший мастерскую после смерти Малевича. Увидев картины, тот воскликнул: «Как он был одинок!»

Источник

Неизвестный Айвазовский: Завораживающие зимние пейзажи прославленного мариниста

Зимний пейзаж

Прежде всего, Иван Айвазовский запомнился потомкам как выдающийся маринист. Морские пейзажи ему давались превосходно, несмотря на то, что художник никогда не писал их в открытом море. Но кроме марин в коллекции Ивана Константиновича находились картины с «сухопутными» сюжетами. Настоящей редкостью стали зимние пейзажи Айвазовского, которые завораживают с первой же секунды.

Мельница, 1874 год.

У большинства людей имя Ивана Константиновича Айвазовского ассоциируется с картинами на морскую тематику, но истинные ценители творчества художника знают, что он писал не только марины. Его зимние пейзажи заслуживают отдельного внимания.

Зимний пейзаж, 1876

Картина «Зимний пейзаж» была написана в 1876 году. Судя по тому, что дорога еще не занесена снегом, автор, наверное, изобразил начало зимы. Тщательный подбор цветовой гаммы позволяет понять, что деревья покрыты инеем и ледяной коркой.

Зимний пейзаж, 1874 год.

Чтобы передать «суровое дыхание» зимы, художник использовал синие, серые, розовые, небесно-голубые оттенки. При взгляде на некоторые полотна, кажется, что вот-вот подует ветер, или послышится шум деревьев.

Исаакиевский собор в морозный день, 1874 год.

Зимний обоз в пути, 1857 год.

За всю свою жизнь Айвазовский написал около 6 тысяч картин. При жизни живописца состоялось 120 его персональных выставок.

Зимняя сцена в Малороссии.

Ивану Айвазовскому посчастливилось стать признанным и востребованным художником.

Источник

И.Н.Крамской. К 180-летию русского художника

Иван Николаевич Крамской

(8.06.1837-25.03.1887)

И.Н. Крамской родился в городе Острогожске Воронежской губернии. Рано возникший интерес будущего художника к искусству с течением времени превратился в настойчивое влечение к творчеству. Молодой Крамской некоторое время работает ретушером у фотографа Данилевского и в качестве помощника бесконечно странствует по провинциальным городам России. Наконец, попав в Петербург, он осуществляет свою мечту — поступает в Академию художеств. Однако радужным надеждам приобщения к тайнам великого искусства не суждено было реализоваться, поскольку в это время главными принципами академического преподавания оставались —уже пережившие-себя идеи классицизма, совершенно не отвечавшие новому времени.

Осенью 1863 года четырнадцати академистам была предложена «программа» на тему из скандинавских саг «Пир в Валгалле». Молодые художники отказались писать на эту тему и вышли из Академии. Разрыв с Академией возглавил Крамской. Этот решительный шаг угрожал бывшим ученикам политическим недоверием со стороны государства и материальной нуждой и поэтому требовал огромного мужества. Возглавив это движение, Крамской принял на себя ответственность за дальнейшую судьбу русского искусства. В целях взаимопомощи и материальной поддержки была создана Артель художников, в дальнейшем ставшая базой Товарищества передвижных художественных выставок. Общественный деятель по призванию, Крамской становится одним из активнейших членов этой организации. Одной из основных целей Товарищества стало развитие искусства демократического не только по форме организации, но и по идейному направлению. В русском передвижничестве демократический реализм как явление мирового искусства достиг высоких вершин. Первая передвижная выставка была открыта 21 ноября 1871 года в здании Академии художеств. Весной 1872 года она была перевезена в Москву, а затем в Киев. В отличие от академических, передвиж­ные выставки «передвигались» из города в город, всюду возбуждая живой интерес к себе. Так началась деятельность этой общественной организации, которая в течение ряда десятилетий объединяла всех передовых художников России.

На первой передвижной выставке Крамской участвовал большой картиной «Русалки» на сюжет повести Н. В. Гоголя «Майская ночь». Здесь художника привлекла возможность передать языком живописи лунный свет, так поэтически меняющий все вокруг. Крамской писал: «Я рад, что с таким сюжетом окончательно не сломил себе шею, и если не поймал луны, все же нечто фантастическое вышло».

Русалки

К следующей выставке передвижников Крамской пишет картину «Христос в пустыне» (1872), которая была задумана первой в серии (так и неосуществленной) картин на евангельские сюжеты. Художник писал о том, что его задачей было показать внутреннюю борьбу человека, погруженного в глубокие раздумья о выборе жизненного пути. Картина «Христос в пустыне» была воспринята современниками как символ человека высокого гражданского долга.

Христос в пустыне

Летом 1873 года Крамской вместе с семьей поселился в Тульской губернии, недалеко от имения Л. Н. Толстого. Воспользовавшись этим соседством, Крамской пишет портрет Толстого. Сила и монолитность личности, ясный и энергичный ум — таким предстает писатель на этом портрете. Из целой галереи портретов Л. Н. Толстого, написанных Н. Н. Ге, И. Е. Репиным, Л. О. Пастернаком, портрет Крамского — один из лучших. В свою очередь сам художник послужил прообразом художника Михайлова в романе «Анна Каренина». 

Портрет писателя Л.Н.Толстого

Почти в то же время были созданы портреты И. И. Шишкина и Н. А. Некрасова. Портрет «Некрасов периода «Последних песен» (1877) писался в то время, когда Некрасов был уже тяжело болен, поэтому сеансы длились по 10—15 минут. Самое сильное впечатление от портрета — это контраст между ясностью ума, творческим вдохновением и физической слабостью умирающего поэта.

Н.А. Некрасов в период Последних песен

В числе работ Крамского есть целый ряд поэтических женских образов, таких как «Девушка с распущенной косой» или знаменитая «Незнакомка», о которой говорили, что она прообраз Анны Карениной. 

Незнакомка

Девушка с распущенной косой

Еще в 1874 году художник создал целую серию крестьянских типов, самый сильный по характеру среди них — «Полесовщик» (1874).

Полесовщик

Трудно переоценить значение художественного и литературного наследия Крамского для русской культуры. Основная идейная направленность его художественной деятельности — это глубокий интерес к познанию человека своей эпохи, изображал ли его художник в облике евангельского сказания или в облике своего современника. Общественная деятельность Крамского, его творчество стали школой для целого поколения русских художников.

Источник

Иван Иванович Шишкин. К 185-летию русского художника

Шишкин – художник народный. Всю жизнь он изучал русский, преимущественно северный лес, русское дерево, русскую чащу, русскую глушь.

Это его царство, и тут он не имеет соперников, он единственный.

В. В. Стасов

Иван Иванович Шишкин один из самых знаменитых и великих русских художников. Писал картины в различных жанрах. Он был одинаково хорошим пейзажистом, живописцем и гравер–аквафортистом. Вот такой вот, разносторонний художник.

Родился Иван Иванович в купеческой семье Ивана Васильевича Шишкина. Произошло это знаменательное для русского и мирового искусства событие 25 января 1832 года. Семья жила в городе Елабуге, Вятской губернии Российской Империи.

Когда Ивану исполнилось 12 лет, он поступил в первую казанскую гимназию. Отучившись в ней до пятого класса, поступил в московское училище живописи.

После окончания курса наук в Московском художественном училище, он продолжает обучение в Петербуржской академии художеств. Иван Иванович был не очень доволен учебным процессом, проходившим в стенах художественной академии.

В свободное от занятий время Шишкин с большим усердием трудился над совершенствованием своего мастерства, и рисует картины – пейзажи. Пейзажи Шишкин писал с Петербуржских красот, благо красивых мест, вселяющих в художника вдохновение, в городе было предостаточно.

За свой первый год учебы в академии, он добился больших успехов, был награжден двумя малыми медалями из серебра.

В 1858 году художник впервые получает большую серебряную медаль. Этой чести он удостоился за картину, описывающую красоты Валаама. Годом позже удостоился золотой медали за Петербуржские пейзажи.

Шишкин благодаря усердной учебе и своему потрясающему творчеству, добился право от академии на поездку за границу. Поездка, естественно была бесплатной.  В 1861 году он поехал в Мюнхен, где посетил мастерские, таких художников – мастеров, как Бено Адамова и его брата Франца.

Дальше путь его лежал в Швейцарию, в Цюрих. В Швейцарии он работал под началом профессора Коллера, который доводил до совершенства мастерство Шишкина. Побывав потом в Женеве, он выполнил картину, отобразив в ней вид Женевской окрестности. Картина была выполнена очень профессионально и, благодаря этому шедевру, Иван Иванович получил звание академика.

В поездке по Европе он не только занимался живописью, но и практиковал рисование пером. Рисунок Шишкина, выполненный в этом жанре, приводил иностранцев в шоковое состояние. Многие его работы были размещены в дюссельдорфском музее, причем рядом с рисунками больших мастеров.

В 1866 году Иван Иванович возвращается на Родину. Теперь он путешествует только по просторам своего Отечества, причем совершает это постоянно. Художник искал вдохновения в красотах русской земли, и естественно его находил, отображая на холсте красоты России. Работы его постоянно выставлялись на различных выставках, в том числе и на передвижных.

У Ивана Ивановича было большое увлечение – аквафортистика. В 1870 году в Петербурге образовался кружок аквафортистов, членом которого он и стал. В 1873 году за картину «Лесная глушь», Иван Шишкин стал профессором Академии художеств.

Шишкин является самым знаменитым и самым сильным русским пейзажистом. В нашей истории не было мастера, способного составить ему должную конкуренцию. Творчество художника поражает  удивительными познаниями растительных форм. Каждый компонент его картин был индивидуален, имел собственную «физиономию».

Все, что рисовал Шишкин, имело очень правдивые и реалистичные формы. Секрет этого феномена русского художника прост, он рисовал то, что видел, не приукрашивая, и не приуменьшая. Специалисты отмечают, что во многих его произведениях точность форм пейзажа, шла в ущерб колориту картин. Так же отмечается, что картины с множеством цветов, выходили у яркого мастера русского пейзажа хуже, нежели те картины, где цветовая палитра была скуднее.

Иван Иванович Шишкин – настоящий мастер пейзажа. Автор множества потрясающих картин, многие из которых хранятся в коллекции Третьяковской галереи. Творчество его – уникальное наследие, которым посчастливилось владеть нашему народу, и которое навсегда останется в сердцах и памяти. Умер Иван Иванович 20.03.1898г за работой над очередной картины. Источник

Утро в сосновом лесу

Хвойный лес. Солнечный день

Ручей в лесу

Ручей в березовом лесу

Рожь

Первый снег

Пасека в лесу

За грибами

Болото

Работы И.И.Шишкина

Русская художница. Антонина Леонардовна Ржевская

Антонина Леонардовна Ржевская

Юбилей ржевского художника Андрея Грица

Ржевский художник Андрей Гриц

Евгений Чарушин. К 115-летию со дня рождения художника и писателя

Творчество Евгения Чарушина, человечное, доброе, радует уже несколько поколений юных читателей, учит детей любить волшебный мир птиц и зверей. Чарушин Евгений Иванович, биография которого представлена в этой статье, - художник-график и писатель. Годы его жизни - 1901-1965. 29 октября 1901 года в Вятке родился Евгений Чарушин.

 Отец Евгения Ивановича - Чарушин Иван Аполлонович - губернский архитектор, один из лучших архитекторов Урала. Более 300 зданий в Ижевске, Сарапуле, Вятке было построено по его проектам. Как и любой архитектор, он был хорошим рисовальщиком. Очень дружно жила семья Ивана Аполлоновича. В доме часто собирались художники, музыканты. Родители с детства прививали сыну любовь к природе. Любимым чтивом Евгения были книги о братьях наших меньших. «Жизнь животных» А. Э. Брема являлась для него самой дорогой и любимой. Он ее берег и всю жизнь перечитывал. В том, что начинающий художник изображал все больше птиц да зверей, есть значительная доля влияния Брема. Чарушин рано стал рисовать. Начинающий художник ходил в чучельную мастерскую, которая находилась неподалеку, или же наблюдал за животными дома.

В 14 лет он со своими товарищами организовал союз художников и поэтов «Сопоху». Евгений с юных лет желал запечатлеть увиденное для того, чтобы сохранить быстро меняющийся мир. И рисование пришло на помощь. Евгений Иванович говорил, что художник родился в нем раньше, чем писатель. Несколько позже пришли и нужные слова.

 В 1918 году Евгений Чарушин окончил среднюю школу в Вятке. Он учился в ней вместе с Юрием Васнецовым. Затем Евгения Ивановича призвали в армию. Здесь его решили использовать «по специальности» - назначили помощником декоратора в Политотдел штаба. Отслужив 4 года, почти всю гражданскую войну, Евгений Иванович только в 1922-м возвратился домой. Он решил учиться на художника. Зимой обучался в мастерских Вятского губвоенкомата, а в этом же году, осенью, поступил в ВХУТЕИН (Петроградскую Академию художеств), на живописный факультет. Пять лет занимался здесь Евгений Чарушин, в период с 1922 по 1927 гг. Учителями его были А. Караев, М. Матюшин, А. Савинов, А. Рылов. Однако, как впоследствии вспоминал Евгений Иванович, это были для него самые бесплодные годы. Чарушину были неинтересны поиски нового слова в живописи, а также академическое рисование. Намного приятнее было ходить на птичий рынок или в зоосад. Молодой художник в то время любил одеваться по моде. По воспоминаниям Валентина Курдова, его близкого друга, он ходил в пестрых чулках и гольфах, носил пыжиковую шапку и короткую пеструю шубу собачьего меха.

Воспользовавшись советом В. Бианки, в 1924 году Евгений Чарушин отправился на Алтай в увлекательное путешествие вместе с Валентином Курдовым и Николаем Костровым. В 1926 году Чарушин поступил на работу в ленинградский Госиздат, в детский отдел, заведовал которым Владимир Лебедев, знаменитый художник. Перед художниками в те годы была поставлена задача создать для маленьких жителей Советского Союза принципиально новые книги, высокохудожественные, но в то же время познавательные и информативные. Лебедеву понравились рисованные звери Чарушина, и он начал всячески поддерживать его в творческих исканиях.

У каждой эпохи есть своя акустика: Дон-Аминадо.

Напои меня малиной,

Крепким ромом, цветом липы...

И пускай в трубе каминной

Раздаются вопли, всхлипы...

Пусть, как в лучших сочиненьях,

С плачем, с хохотом, с раскатом

Завывает все, что надо,

Что положено по штатам!

Пусть скрипят и гнутся сосны,

Вязы, тополи и буки.

И пускай из клавикордов

Чьи-то медленные руки

Извлекают старых вальсов

Мелодические вздохи,

Обреченные забвенью,

Несозвучные эпохе!..

Напои меня кипучей Лавой пунша или грога И достань, откуда хочешь, Поразительного дога, И чтоб он сверкал глазами, Точно парой аметистов, И чтоб он сопел, мерзавец, Как у лучших беллетристов... А сама в старинной шали С бахромою и с кистями, Перелистывая книгу С пожелтевшими листами, Выбирай мне из "Айвенго" Только лучшие страницы И читай их очень тихо, Опустивши вниз ресницы...

 Потому что человеку

Надо, в сущности ведь, мало...

Чтоб у ног его собака

Выразительно дремала,

Чтоб его поили грогом

До семнадцатого пота

И играли на роялях,

И читали Вальтер-Скотта,

И под шум ночного ливня

Чтоб ему приснилось снова

Из какой-то прежней жизни

Хоть одно живое слово.

Автор этого замечательного стихотворения - Дон-Аминадо. Настоящее имя Аминадад Петрович Шполянский (имя при рождении - Аминодав Пейсахович Шполянский). Родился 7 мая 1888 года в Елисаветграде ( умер 14.11.1957 в Париже), учился юриспруденции в Одессе и Киеве, по завершении высшего образования поселился в Москве и занялся писательской деятельностью. Он эмигрировал в начале 1920 года через Константинополь в Париж.

 В 1920-30-е гг. в Париже "эмигрантский народ знал его куда лучше, чем Цветаеву или Ходасевича!", как удивленно вспоминал один из его современников. Максим Горький в 1932 году: "Мне кажется, что гораздо более искренно и верно отражает подлинное лицо эмиграции развеселый негодяй Дон-Аминадо...". Сегодня он мало известен у себя на родине.

Звучный испанский псевдоним родился, возможно, в 1912 году, когда молодой помощник присяжного поверенного Аминад Шполянский пришел в редакцию петербургского "Сатирикона". В своих воспоминаниях ("Поезд на третьем пути") он напишет: "Каждый номер "Сатирикона" блистал настоящим блеском, была в нём и беспощадная сатира, и неподдельный юмор, и тот, что на миг веселит душу, и тот, что теребит сердце и называется юмором висельников, весьма созвучным эпохе".